In «Paranoid Reading and Reparative Reading,» Eve Kosofsky Sedgwick takes to task Western critique for its tendency to be based on, even be synonymous with, suspicion. She characterizes it as foremost aiming to expose, believing – as does paranoia – that such an exposure will protect it from threat. Sedgwick laments the loss of other affective modes in theory that might aim to repair. She observes that these often aren’t taken seriously, are seen as naïve or complaisant. In her essay, Sedgwick attempts to expose (paradoxically, she herself admits) paranoia, to describe and understand its mechanisms, and asks what a critique would look like that would turn around the logic of the sentence: «Just because you’re paranoid, doesn’t mean you don’t have enemies» (based on a quote by Henry Kissinger) to «Just because you have enemies, doesn’t mean you have to be paranoid». I was intrigued by the notion Sedgwick names «reparative reading,» a concept that remains obscure in her text, but involves a turn away from protocols in critique such as maintaining an «objective» distance, subsuming phenomena under one term or rehashing well-established theories. The text resonated with questions I had around the politics of positioning oneself – for, alongside, against another, perhaps even against oneself – in critical practices such as writing.
Ein Rausch(en) der Bilder. Ein Meer von Händen. Und genau eine Assoziation: Waschen – desinfizieren – nicht berühren. Das hier hätte eine ganz gewöhnliche Ausstellungsbesprechung werden sollen. Über Kiki Kogelnik am Musée des Beaux-Arts in La Chaux-de-fonds. Erste monographische Einzelausstellung in der Schweiz. Pop-Art-Pionierin. Geboren in Österreich 1935, gestorben in New York 1997. In deren Werk das Motiv der Hände so etwas wie eine künstlerische Signatur darstellt. Dann aber kam das Virus und mit ihm die Frage, ob das überhaupt funktionieren kann: Kunst in Zeiten von Covid-19?
The project The Devil of Affinities consists of a theoretical text, a poetic text and an imagined exhibition. The exhibition was scheduled to open May 15th, 2020 at the project space Gern en Regalia in New York and includes the artists Amy Lien & Enzo Camacho and Cole Lu. Due to COVID-19, it has been postponed for an uncertain amount of time. Unable to facilitate the exhibition as planned, I have reimagined the project for Brand-New-Life to forefront what has emerged from my study of these artists and their works in ensemble.
Before Drones beginnen wir mit Mathis Altmann. In Altmanns cyber-barocken Objekten welche oft architektonische Modelle, Entwürfe für Kunst im öffentlichen Raum oder des privaten Sektors suggerieren und travestieren, verdichten sich polare Elemente und Stile: digitales und analoges, Fortschritt und Dekadenz, überbordende Fassaden und marodes Fundament die allesamt auf eine pathologisch widersprüchliche Gegenwart zu reagieren scheinen. Altmann zeigte seine Arbeiten zuletzt bei Freedman Fitzpatrick, Paris; Luma Foundation, Zürich; Swiss Institute, New York und wird im Herbst dieses Jahres in der Gruppenausstellung Macht! Licht! im Kunstmuseum Wolfsburg zu sehen sein.
Einige Ereignisse werfen lange Schatten. Lang sind sie vorüber – und doch ahnt man ihre Gegenwart, besonders rückblickend. Welche Ereignisse diesem Jahr Schatten spenden könnten, orakelt die fünfte Ausgabe der Kolumne «Pick a Piece» anhand der Ausstellung The Premise of a Better Life des Amerikaners Sam Pulitzer (*1984) im Kunsthaus Glarus, die am ersten Januar 2020 endete. Gleichzeitig steht die Kolumne im Schatten ihrer eigenen Erstausgabe: dem «Pick a Piece»-Jahresrückblick auf Sam Pulitzers Soloshow Shadow of the Problem as Such in der Galerie Francesca Pia in Zürich vor zwei Jahren.
When will ‹reality› stabilize again? Checking the incoming Covid-19 news, there is little doubt the virus has co-opted our daily routines for now. Here are some thoughts on dreams, consciousness, the virus.
On November 27, 2019 Geneva-based Off Space Cherish and Brand-New-Life organized a reading with Fatima Wegmann. The two contributions, titled Above the Abyss and Contradiction is Unitypublished here originated from this reading and are published on B-N-L as video- and text-based documentation and an accompanying essay. In her performance Fatima Wegmann explores science fiction and theory - which she sees as closely interrelated - through an audio-visual practice. This allows her to investigate a space of experimentation in search of emancipatory discourse - narratives off-center from patriarchal and imperialist thought. As part of an expansion of the discussion towards French-speaking Switzerland, B-N-L offers a platform to text-based artistic practice. Writing is an artistic practice that is still not comprehensively remunerated and recognized and, in the art context, is too rarely a subject of funding programmes. B-N-L therefore gives artists a framework to develop a new text.
On November 27, 2019 Geneva-based Off Space Cherish and Brand-New-Life organized a reading with Fatima Wegmann. The two contributions, titled Above the Abyssand Contradiction is Unity published here originated from this reading and are published on B-N-L as video- and text-based documentation and an accompanying essay. In her essay Fatima Wegmann is discussing the collectivizing potential of Ursula K. Le Guin’s fictional utopian horizons, intertwining performance with an interest in collaborative and healing practices. As part of an expansion of the discussion towards French-speaking Switzerland, B-N-L offers a platform to text-based artistic practice. Writing is an artistic practice that is still not comprehensively remunerated and recognized and, in the art context, is too rarely a subject of funding programmes. B-N-L therefore gives artists a framework to develop a new text.
The last event for the foreseeable future took place in the city of Zurich on the 14th of March. A performance by Isabel Lewis, an Occasion, as they are called. Lewis has been hosting these events since 2014, but none have been conducted in a context quite like this.
Peter Spillmann war in den 1990er Jahren im Vorstand der Shedhalle Zürich. Er hat das neue Betriebskonzept Konzept 94 mitverfasst und die anschliessende Politisierung der kuratorisch-künstlerischen Praxis in der Shedhalle aktiv unterstützt. Wir trafen uns im Restaurant des Hotel Greulich in Zürich. Dort sprachen über die institutionelle Neuausrichtung der Shedhalle 1994, wie die anschliessenden Ausstellungsprojekte von der Zürcher Kunstszene aufgenommen wurden und inwiefern eine solche kritische Praxis heute noch relevant ist.
Au Centre d'Art Contemporain Genève, Hannah Weinberger abandonne les spectateurs à eux-mêmes dans une exposition en trois séquences, débutant dès le hall d'entrée. Ses interventions sont concises et denses, et reposent sur un dispositif infrarouge réagissant à la présence du public, l'entraînant dans un échange déconcertant mais vivifiant.
Die Shedhalle Zürich ist im Moment in einer Übergangsphase. Das interimistische Kuratorium versucht mit partizipativen Anordnungen, Gesprächsrunden und Umordnungen, die Institution neu zu denken und für die Zukunft zu entwerfen. Anfang der 1990er Jahre kam es schon einmal zu einer grundlegenden Neuorientierung. In einem ebenfalls partizipativ angelegten Prozess entwickelte der damalige Shedhalle-Vorstand ein neues Betriebskonzept. Dieses Konzept war der Anfang der dann 1994 einsetzenden, dezidiert gesellschaftspolitischen Ausrichtung.
Spätestens nach dem Umbau 2012 traten im Löwenbräukunst Zürich einige grundlegende Widersprüche offen zu Tage. Die einst vielversprechende Allianz aus Kunsthandel, Grosskapital und öffentlicher Hand wird dem Kunstkonglomerat in jüngster Zeit zunehmend zum Verhängnis. Aber auch die am See, mitten im Kulturzentrum Rote Fabrik, gelegene Shedhalle Zürich steckt seit Längerem in einer Orientierungskrise. Genau diese beiden Kunstorte, das Löwenbräu-Areal und die Shedhalle, bildeten die zwei, markantesten Pole einer sich in den 1990er Jahren internationalisierenden und boomenden Zürcher Kunstszene. Dieser Artikel bildet den Auftakt zu einem Fokus, in dem wir die aktuelle Krisenstimmung im Löwenbräukunst und in der Shedhalle zum Anlass nehmen, auf die 1990er Jahre in Zürich zurückzuschauen und uns gleichzeitig zu fragen, wie sich die Bedingungen heute verändert haben.
It would be an oversimplification to describe Diamond Stingily as ‹honest›: what else can a contemporary American artist who is young and an individual be? Stingily’s meditation on the function of her chosen everyday (often found) objects gave way to a show primarily about memory (demographic and individual). It is witty and sobering, at times uncanny, but never lacking in candor. In the palatial Kunstverein, the observant artist constructs a temporal and local critique of class in America with the gaze of a woman who was once a child.
The question posed by this column (which single work of a mega exhibition may capture best its overall idea?) is particularly challenging for the Venice Biennial – not just because of the urge to not comply with the lion share of visibility/capital and to not take sides for any of the by now more nostalgically embraced rather than officially dubious nationalist propaganda. The challenge, according to curator and critic Julia Moritz, is to look at the international group exhibition from a point of no return, the point of view of the one work – not necessarily the best work – that captures the exhibition «May You Live in Interesting Times» most poignantly, regarding its response to the location and context, for whatever that’s worth.
Provence talks to those behind in-house art magazines, to gauge the changing relationship the industry has with print. Art world versus art industry. It’s definitely an industry, not a world. Get the difference? Read what Lionel Bovier, director of MAMCO, Geneva, and Hauser & Wirth’s Randy Kennedy, have to say about their new, shiny magazines.
