«Language belongs to the managers» singen Art & Language 1976. Die Diskussion über die Beziehung von Sprache, Kunst und Macht führen wir auch heute: Zwischen verschiedenen Praktiken und Netzwerken der Kunstproduktion, in Zentren und Peripherien, auf Zugreisen und online sprechen wir nicht nur über Kunst und Beziehungsprobleme, sondern zerbrechen uns auch den Kopf über eine Kunstkritik, die sich nicht als Teil einer Nischenkultur zufriedengibt. Eine Kunstkritik, die Haltungen ausdifferenzieren und uns zusammenhalten kann. Wie sieht sie aus? Wie fühlt sie sich an?

Gegenwartskunst ist heute fester Bestandteil einer städtischen Konsum-, Bildungs- und Marktgesellschaft. Kunsthallen und -vereine, selbstorganisierte Kunsträume, Museen, Messen und Galerien profilieren sich mit internationalen Ausstellungen. Dazu gehören heute in vielen Fällen auch Vorträge, Performances, Symposien und anderen Veranstaltungsformate. Die diesjährige Berlin Biennale, kuratiert von DIS,  präsentiert diese Verschränkung von Kunst und Marktmarktlogik exemplarisch. Die Terrasse der Berliner Akademie der Künste lässt uns in diesem Juni nicht nur in das Endzeitszenario von Jon Rafman eintauchen, sondern auch den Pariser Platz überblicken. Im Gemenge aus Tourist/innen, Polizist/innen, Radelsberger, Pferdekutschen und grossformatigen Werbebannern materialisiert sich hier in der sommerlich schweren Luft das mentale Zentrum der diesjährigen Berlin Biennale. Ein Symptom dessen, was die Ausstellung eigentlich analysieren will: Life-Style Kapitalismus, Sharing Economies, Paradoxien des Globalen und Lokalen im Digitalen, produziert und distribuiert von Giganten wie Google und Amazon. Die von den Kurator/innen – als DIS-Kollektiv auch Herausgeber/innen einer digitalen Plattform für Kunst –  geforderte «Materialisierung» der Gegenwart allerdings reproduziert und vervielfältigt in erster Linie eine Sprache des Management und der Werbung. Bestehende Diskurse werden aufgeführt, ohne wirklich daran anzuknüpfen. Auch in der Kunsttheorie und Kunstkritik sind solche Wiederaufführungen etablierter Sprachformen zu beobachten und zuweilen mit International Art English beschrieben worden. Mit der Sprache übernimmt die Biennale auch die dazugehörigen Regeln und bestätigt damit, was Art & Language bereits festgestellt haben: die Sprache gehört nicht uns. 

Eine eigene Sprache müssen wir selber entwickeln – das ist die Aufgabe, die uns umtreibt: Denn einerseits ist aus der Tagespresse in der Schweiz eine fundierte Kunstkritik in den letzten Jahren fast gänzlich verschwunden und die Kunstmagazine bieten kaum Platz für Hintergrundberichte, kunstbetriebliche Analysen und Theoriediskussionen. Und andererseits deuten (nicht nur in der Schweiz) die gleichermassen verzweigten wie isolierten Spezialdiskurse im Kunstbetrieb auf eine regelrechte Bindungsangst. Galerien, Kunsträume und Institutionen, diskursive Veranstaltungsorte bilden tendenziell homogene Subszenen; sie vernetzen sich eher international als lokal. Ähnlich zeigt es sich bei etablierten Kunstinstitutionen und an den Kunsthochschulen. In Zürich bieten beispielsweise die Shedhalle Zürich oder das Johann Jacobs Museum eine kritische Diskussionen zu postkolonialen und migrationstheoretischen Fragen. An der Zürcher Hochschule der Künste wird (eines auf Creative Economy bedachten Rektorats zum Trotz) die posthumane Gesellschaft diskutiert, der maschinische Kapitalismus ausgerufen oder auf die subversive Kraft des Ästhetischen verwiesen. In allen Fällen beschränkt sich die kritische Praxis jedoch auf eine Nische, die eine hochspezialisierte Öffentlichkeit bedient. Die Treue gilt oft lediglich der eigenen Teilszene.

An der Berlin Biennale wird das Stück «How to DISappear in America: The Musical» von Ei Arakawa, Stefan Tcherepin und Dan Poston uraufgeführt. Die als Schauspieler/innen verkleideten Künstler/innen schlagen mit klamaukig und dilletantisch vorgetragenen Songs und Dialogen eine Sprache vor, die wir mögen: Sie ist empfindsam gegenüber dem, was gerade im Raum passiert, setzt und stellt sich aus, bleibt angreifbar. Nicht ohne Humor, nicht ohne Improvisation. Im Musical gehen die Künstler/innen in ihrer Rolle nicht auf, während ein Rest Bindungsangst bleibt. Gerade dieses Zögern halten wir für die Grundlage der Möglichkeit von Bindungen überhaupt. Klar zögern wir, haben wir doch selten gerade erst dieselben fünf Bücher gelesen, Serien und Ausstellungen gesehen. Jede/r von uns nutzt andere Begriffe, Methoden und Modelle an die wir uns gewöhnt haben. Aber die Parameter, auf die wir uns gemeinsam beziehen können, schaffen wir, indem wir Abhängigkeiten eingehen und preisgeben.

Auf die Fragen nach dem, was uns zusammenhält und was uns trennt, suchen unsere Autor/innen Antworten. Unter dem Titel Kunstkritik heute stellen Ines Kleesattel und Pablo Müller 7 Thesen zu einer gesellschaftsbezogenen Kunstkritik vor, auf die Annatina Caprez, Edith Krebs, Jörg Scheller und Christian Saehrendt reagieren. Die Lesegruppen Theory Tuesday von Philip Matesic und Young Girl Reading Group sind künstlerische Diskussionszusammenhänge und thematisieren die Schwierigkeit einer gemeinsamen Sprachfindung. In Supercommunity, Superconversation, Supernova diskutiert Lucie Kolb am Beispiel von E-Flux Journal die Vernetzungs- und gleichzeitige Überwachungsmöglichkeit einer Kunstkritik im digitalen Bereich. Raimar Stange kritisiert in seiner Besprechung des Symposiums «Was ist Kritik?» einen selbstbezogenen akademischen Reflexionsdiskurs und fordert dagegen in der Kunstkritik eine Politisierung aktueller gesellschaftlicher Auseinandersetzungen. Und zu guter Letzt ist der Artikel zu den Arbeitsbedingungen an der Manifesta in Zürich ein erster Versuch, die Möglichkeiten anonymisierten Schreibens zu erproben.