In Eraser, ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung in Deutschland, präsentiert Angharad Williams eine Serie grossformatiger Kohlezeichnungen verschiedener Automobilmodelle, die scheinbar schwerelos im Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, zu schweben scheinen. Williams’ Darstellung des Autos verfremdet seine alltägliche Wahrnehmung, und im Zusammenspiel mit den weiteren Arbeiten – darunter ein Filmstill aus Zabriskie Point und einer Videoaufnahme eines Erwachenden – erscheint es nicht nur als Fetisch- und Liebesobjekt, sondern auch als politisches Vehikel.
Kunsthochschulen stehen in einem konfliktuösen Verhältnis zur Hochschullandschaft. Während im Ausland Kunsthochschulen ihre Abgänger:innen ein PhD verleihen können, sind wir in der Schweiz davon noch weit entfernt. Für die Publikation «Intelligences multiples du design» (MétisPresses 2022) seziert Rachel Mader die Situation und legt die Interessen der in die Diskussion involvierten Akteur:innen offen. In der KolumneInstitutional Diary veröffentlichen wir erstmals die deutsche Fassung des Essays.
Das Kunsthaus Glarus zeigt in zwei Räumen zwei Videos von Silvia Kolbowski: Who will save us? (2022) und Missing Asher (2019). Die Arbeiten widmen sich aus jeweils unterschiedlichen Perspektiven der Herausbildung dysfunktionaler Dynamiken in kapitalistischen und neoliberalen Gesellschaftsformen.
Während der COVID-19-Pandemie erfuhren wir eine Verstärkung ungleicher Machtverhältnisse und haben gesehen wie Todesfälle durch die Zuschreibung von Schwäche, Vulnerabilität oder eines Risikos legitimiert wurden. Gleichzeitig thematisieren immer mehr Künstler*innen international Behinderungserfahrungen als Faktor ungleicher Machtverhältnisse in der Gegenwartskunst. Über die Notwendigkeit einer ableismuskritischen Auseinandersetzung und das damit verbundene Potential, in das Kunstfeld verändernd einzugreifen diskutieren die Künstlerin Eva Egermann und die Kunsthistorikerin und Kuratorin Amanda Cachia in ihrem 2021 anlässlich der Ausstellung «When the Sick Rule The World» erschienenen Text. Das Erscheinen der 5. Ausgabe des künstlerischen Zeitschriftenprojekt Crip Magazine herausgegeben von Eva Egermann im Rahmen der 17. Istanbul Biennale und die Veröffentlichung des Bands «Curating Access. Disability Art Activism and Creative Accommodation» herausgegeben von Amanda Cachia haben wir zum Anlass genommen, um das Gespräch für «Rehearsing Retreat» auf Deutsch zu übersetzen.
An einem Freitagabend Anfang September in den SBB-Werkstätten Zürich: wild blinkende Lichter, kreischende Kinder, Autoscooter knallen ineinander, nebenan schwingen Käfige, eine Schiessbude gibt es auch. Ein Hauch von Zuckerwatte liegt in der Luft.
Drawing on her experiences while receiving a Fibromyalgia diagnosis, artist Lauryn Youden auto-theoretically examines the socio-cultural surroundings of receiving such a diagnosis. Varying theoretically informed reflections and stream-of-consciousness listings, her text explores one of Fibromyalgia’s claimed causes: childhood trauma. By misspelling words and using grammar and punctuation as flexible devices, Lauryn creates pauses between subjects or paces how one reads. This text originated as a contribution to the exhibition «When the Sick Rule the World» at Gr_und Berlin (2019).
Ce texte s’intéresse aux règles du jeu et à la possibilité que nous avons de nous en affranchir, ou pas. En y mêlant ses lectures et son propre vécu, ses rencontres, échanges inattendus, rêves et anecdotes, Clara Schulmann réfléchit à ce que produisent ces règles qui ponctuent la vie collective et individuelle. À la recherche de personnes qui ne veulent pas à tout prix gagner, qui évitent de jouer le jeu ou qui se mettent en retrait(e), nous rencontrons : une sportive, une directrice de centre d’art, une chorale improvisée face à la police, la Commune, des enfants du compost, une historienne du cinéma qui joue à l’artiste, des enfants qui jouent au chat glacé en temps de Covid, et toute la force inhérente à la multitude de ces « gestes anti-hiérarchiques improvisés ».
Chronique essoufflée du printemps 2021, ce texte arrive peut-être juste au bon moment pour prendre une pause.
The «Potosí-Prinzip» was a touring exhibition project curated by Alice Creischer, Max Jorge Hinderer Cruz, and Andreas Siekmann that looked at how European Capitalism could not be thought of without the exploitation of men and nature in Latin America during Colonialism. In their show «Potosí-Prinzip-Archiv,» currently presented at Kunstraum Schwaz in Tyrol, Austria, they revisited the project and outlined blind spots and pressure points.
In Yannic Joray’s solo exhibition, Crackpot Realism, sculpture and drawing are used to examine the subversive powers of institutions, science, and technology in historical accounts of post-war mind control operations. Through tactics like withholding, bombarding, or diverting the viewer, the artist adopts strategic moves that subtly gesture how easy it is to manipulate a willing audience. Crackpot Realism is on view through May 27, 2022 at Galerie Bernhard.
Dans les années 1970, désireuses d’échapper à la domination masculine et à vivre librement leur sexualité, des lesbiennes ont fondé des communautés rurales de femmes dans les collines d’Oregon dans l’ouest des États-Unis. Ces nouvelles pionnières ont défriché et cultivé des terres, construit leurs habitations et inventé une culture éco-féministe. La sociologue française Françoise Flamant qui a résidé de nombreuses années en Californie a raconté l’histoire de ces communautés, dont certaines prospèrent encore aujourd’hui, dans son livre Women’s Lands, Construction d’une utopie 1970-2010. Invitée dans le cadre de l’exposition Les Vies génétiques d’Eden Martin, Françoise Flamant a rédigé un texte sur ces communautés que l’artiste Virginie Sistek a mis en paroles et en son dans un podcast.
Ceylan Öztrük’s solo show Matter of non, on view from October 3, 2021, until January 29, 2022, at Friart Kunsthalle, is an exhibition unraveling at the threshold of nothingness, understood as a generative field of possibilities. Or it is a material speculation on the relationship between sculpture and writing, marble and its carving, matter and its removal, art making and death, as well as a philosophical quest on the limits of human thinking and knowing, performed at the edge of the clouds of unknowing.
In der Forschung an Kunsthochschulen wird inhaltliche Arbeit tendenziell prekarisiert und Verwaltung ausgebaut. Rachel Mader beschreibt wie dieses Dilemma Forschende, dazu zwingt, dem was sie sowieso tun, ein für die Verwaltung passendes Gewand überzuziehen. Lucie Kolb beobachtet den umgekehrten Fall in dem es eine Vielzahl passender Gewänder, aber keine eigentliche Forschung mehr gibt.
As curators, who are we and where are we going? What drives our work? What motivates our practices of curation? What role does language, literature, writing, and storytelling play? And where do our bodies come into this work—when it comes to subjective embodiment and phenomenological leanings, but also to labor, race, class? How can we consider the place of our desires and drives in contemporary curatorial practice, rooted as we both are in intersectional, anti-racist feminist frameworks, and working as white women? Here, we reflect on autotheory in terms of curatorial strategies. We reflect on our own practices as curators through the framework of autotheory, or the bridging of autobiography, embodiment, and self-reflection with theory, philosophy, and criticism: autotheory as a practice that melds the more scholarly, academic, research-based mode with autobiographical and reflective work.
L’un des enjeux de l’exposition Les Vies génétiques d’Eden Martin était de faire dialoguer art et agriculture. À travers ce texte, Camille Azaïs analyse cet échange, en multipliant les points de vue, de la fenêtre du train, du référendum politique du jour, de sa rencontre avec le couple de paysans Aude et Antoine Hentsch ou avec les oeuvres de l’exposition. Cette enquête de terrain la conduit à exhumer un impensé sexuel, à méditer sur les multiples interprétations possibles d'une chaise d’arbitre et suggère, en fin de compte, que si les relations de pouvoir persistent, elles peuvent être conciliées, voire troublées.
Die Grossausstellung und Manifestation Sonsbeek20->24 im niederländischen Arnhem trägt den Titel Force Times Distance und beschäftigt sich mit Arbeit und ihren Bedingungen in verschiedenen geo-kulturellen Kontexten. Diese Themen werden durch die Linse des Auditiven behandelt: Verschiedene Formen des Hörens und Zuhörens decken auf, was bislang verdeckt blieb. Matthias Sohr hat die von Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, dem designierten Intendanten am Haus der Kulturen der Welt (HKW) Berlin und seinem Team kuratierte Ausstellung an der Eröffnung besucht. Für seine Besprechung lotet Sohr das Potential der sogenannten Einfachen Sprache aus.
This Radiant Terminus is a photo-story combining pictures of farming activities, still lives and exhibition views. It is part of a series of articles published on the occasion of the group show Les Vies génétiques d’Eden Martin (Eden Martin’s Genetic Lives), which took place on the biodynamic farm of Aude and Antoine Hentsch in Gollion*.
*Les Eterpis farm in Gollion (Vaud Canton, Switzerland), Les vies génétiques d’Eden Martin.
Participating artists: Orla Barry & Paul Bradley, Gianfranco Baruchello, Marc Elsener, Clément Froidevaux, Séverine Heizmann, Andreas Hochuli, Eden Martin, Stefan Tcherepnin, Ye Xe and Shirin Yousefi.
Für V/A hat Lucie Kolb mit der Südafrikanischen Kuratorin Kabelo Malatsie (ab 2022 Direktorin der Kunsthalle Bern) über ihre kuratorische Praxis, ihre Forschung zu institutionellen Experimenten und die Arbeit an institutionellen Rahmenbedingungen gesprochen. Auf Brand-New-Life erscheint die deutsche Übersetzung des Gesprächs.
For his solo show, He Said, They Said at Coalmine, James Bantone uses the essential aesthetic features of the barbershop to recreate a framework of exposure and community-generating. His transformation of the space into one dedicated to self-expression and queerness relies on the subversion of tropes such as ambiguity, exclusion, as well as empowerment. Dealing with different modes of self-concealment and self-expression, the exhibition enforces a form of self-determination while simultaneously creating allusions to the limits of social constructions.
Dies ist ein persönlicher Text. Er ist vorläufiges Resultat eines andauernden Gesprächs, zu dessen Beginn eine Beziehungskrise stand. Eine von uns hat sich in jemand anderen verliebt. Anstatt gemeinsam ein Kind zu bekommen, sind wir nun auf eine andere Weise zu dritt.
